DESENHANDO A CABEÇA

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 Iremos começar nosso esboço da cabeça de maneira simplificada em formas geometricas, o que facilitara muito na proporçao do rosto para que voçê venha a saber colocar todos os elementos do rosto, começando desta sequencia (olho, nariz, boca e orelha) como mostrado nas figuras abaixo:

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Cabeça Humana

 
 

Desenhando a cabeça humana

Eu pratico e estudo por muitos anos a melhor técnica de se desenhar uma cabeça e seus diversos movimento de uma forma clara e concisa.
 
Desenho  de cabeça começa com a introdução de um método aparentemente  simples para a construção da cabeça, para garantir que todos os  recursos estejam colocados corretamente.

Para desenhar a cabeça de qualquer ângulo, você deve primeiro entender sua estrutura básica.

Olhar todos os detalhes e visualizar as formas subjacentes, ou seja, que não percebemos a primeira vista.

Esta capacidade de simplificar pode ser aplicado às características do rosto, como:

  • Boca e sobrelábios;
  • Nariz e orelhas;
  • Olhos e sombrancelhas;
  • Cabelos e testas
Mas ao iniciar o desenho é quando você deverá olhar ainda mais. Ignore os recursos e simplifique a forma mais básica da cabeça. Veja os modelos abaixo:
Primeiro você começa com uma esfera de base. A cruz é então colocado em algum lugar sobre as superfície da esfera e este define as duas âncoras mais importantes para as características: a linha central e a linha da testa.
 
A maioria dos métodos similares de construção de uma cabeça que eu já vi, define a linha dos olhos em primeiro lugar; mas é a partir da linha da testa na bola é que ajuda a obter as principais características corretamente proporcionadas.
 
Agora observe com atenção, as figuras abaixo:
Os lados da cabeça são planos, por isso, pode cortar um pedaço de ambos os lados da bola.

De perfil, este plano será um círculo perfeito, mas quando o desenho está em qualquer outro ângulo, ele parece ser um oval por causa da perspectiva.

Divida este oval para quadrantes. A linha vertical representa o início da mandíbula. A linha horizontal representa a linha da testa. A parte superior e infeior da oval ajudará a enconntrar a linha do cabelo e na parte inferior do nariz.Construção de qualquer ÂnguloO primeiro passo é você determinar o ângulo da bola. A inclinação da cabeça é estabelecida no ínicio do desenho com a bola. Todos os três eixos devem ser abordados:

 

A inclinação para cima e para baixo é estabelecido pelos ângulos das linhas horizontais e verticais em forma oval, além de inclinar para cima e para baixo, os terços (que são aquelas linhas que representam o início do cabelo, a base do nariz e a base do queixo) serão encurtados por causa da perspectiva.

Depois de estabelecer o ângulo da bola, dividir a face em terços, a distância entre a linha da testa e couro cabeludo deve ser a mesma entre a linha da testa e a parte inferior do nariz e entre a parte inferior do nariz e a linha do queixo. Entendeu?

Agora, como seu exercício, você deve esboçar muitas bolas e fazer varias cruzes em diversas posições dando idéia a movimento da cabeça, como pra cima, pra baixo, para o lado esquerdo e direito. Em seguida siga os exemplos citados acima, formando a mandibula, pra dar forma a uma cabeça.

Proporção do Face A face é dividida em 4 partes iguais a partir da topo da cabeça. A partir dessa medida, podemos obter a posição dos elementos do rosto.

A distância de olho para o outro é a medida do mesmo olho e o tanaho da orelha é o mesmo do nariz.

Como desenhar olhos

Para desenhar olhos é necessário muita prática e observação, já que há diferentes tipos de olhos e traços diferentes, tudo vai depender do contexto, principalmente se você pretende desenhar retratos realistas.

Os olhos são formados pelo globo ocultar, a íris, a pupila, pálpebras e cílios que não podem se esquecidos.

 

Há várias maneiras de desenhar olhos humanos, o exemplo a seguir é uma das maneiras que costumo fazer e que acho mais simples. Espero que vocês não tenham dificuldades em desenhá-los também.Mas antes quero comentar sobre alguns erros comuns:

  • Evite desenhar formas totalmente ovais ou quadradas, a forma mais aconselhável  é uma mistura das duas coisas;
  • Não deixe a íris (parte colorida do olho) totalmente aparente, ou seja, formar um círculo completo. Se vocês começarem a observar mais olhos em fotos ou até mesmo os seus pelo espelho, verá que a palpebra cobre uma parte dela, deixando um pouco mais da metade amostra.

O esboço é como um desenho simples que qualquer pessoa sem a prática será capaz de fazê-lo. A diferença está em dar efeitos se sombreamento, os quais darão forma e volume aos olhos, tornando-os realistas. Esses sombreamentos seriam os dutos lacrimais ( o “canto” do olho), próximo ao nariz; fazer a linha próxima dos cílios inferiores para dar a espessura da pele, os próprios cílios de uma forma irregular, ou seja, não igual em todo o olho.Uma dica bem legal, é deixar uma parte sem desenhar do olho na parte de baixo. Quanto a íris, é importante e fundamental que você sempre deixe um espaço branco, nada muito grande e nem exagerado, (para não ficar como olhos de desenhos mangá) e deixar a parte superior da palpebra, mais escuro.

Seja paciente quando iniciar sombreamento nos olhos e prefira usar lápis com grafites moles como 6B, 7B e 8B.
Dependedo do lápis e papel que voce usar, o seu desenho apresentará efeitos de textura diferentes. Esse desenho, por exemplo, foram usado para esboço HB, B, 2B e como acabamento e promovendo mais volume eu usei o lápis 7B na parte superior da iris, pupila e cílios.

Demonstrando como desenhar olho:

 

Olhos  de perfil

 

Exemplos de olhos para expressão A expressão é passada mais pelo olho, sombrancelhas e boca, por isso não vou nomear as expressões, pois esses olhos podem ser usados para mais de uma expressão.

Agora, use os exemplos para aprender a dar forma, volume e expressão nos olhos.

Dica  para desenhar um olho igual ao outro

 
 
 

COMO DESENHAR NARIZ

Para desenhar o nariz deve-se fazer como base uma estrutura bem simples… o triângulo, ou pirâmide com três faces, desse modo fica mais fácil desenhar e criar volume e caracteríticas anatômica.

 
O naris tem início na linha dos olhos até a linha do final das orelhas, ou seja, todo nariz tem o mesmo tamanha da orelha.
 
Os traços no desenhos de nariz feminino, são mais suaves e retos, nos narizes do rosto masculino deve-se ressaltar o osso nasal.
 
 
Quanto mais detalhes de sombreamento voce acrescentar em seu desenho, mas realista ele pode ficar, mas lembre-se, os primeiros rabisco serão suaves, dê volume nos seus desenhos apertando o tom do seu grafite cuidadosamente, para que não estrague o papel e nem dê um aspecto sujo no seu trabalho.

COMO DESENHAR BOCA

Olhos e bocas são os principais elementos que define toda a expressão do rosto.

 
Inicie o desenho um linha base interlabiais (horizontal) e outra vertical bem centralizada na boca, formando uma cruz, essas linhas já devem ser traçadas no espaço onde a boca deve ficar dentro das proporções das linhas do rosto. Em seguida pode traçar as bordas superiores e inferiores da boca, não precisa fazer outras linhas, pois o volume da boca será feito com efeitos de luz e sombra.
 
 
Boca e olhos são fundamentais para dar realismo no desenho de retratos, então paciência, com muita pratica em luz e sombra, deixarão seu desenho cada vez mais realista.
 
O desenho da boca só depende da forma curva da mesma. Quanto a boca feminina deve-se enfatizar na coloração e volume, dando um efeito de maquiagem.
 
 
 
Quando desenhar uma boca sorrindo, tenha cuidado para não acentuar os detalhes dos dentes, dependedo do realismo que você quer proporcionar em seu desenhos, os dentes podem ou não serem sombreados com pouco ou muita intensidade.
 
 
Esboço de boca sorrindo
 
Efeitos de luz e sombra nos dentes, as linhas que antes separavam os dentes tornaram-se sombreamento, promovendo mais realismo no desenho.
 
Como desenhar orelha
Com dominio da luz e sombra e usando a tecnica do esfumado, os desenhos serão mais realistas.

Desenhar orelha não é tão difícil quando parece. Alguns artístas não gostam de desenhá-las, escondedo-as com os cabelos. Tudo vai depender da sua observação. Preste atenção nas curvas da orelha e em suas caracteríticas: orelhas pontudas, redondas, fechadas, abertas, juntas a cabeça, separadas e muito separadas (conhecidas como orelha de abano.

Dicas:

  • Nunca use desenhos de orelhas oara treinar, use fotos, desenhe a orelha de amigos e parentes.
  • A proporção da orelha é a mesma do nariz ( nariz pequeno, orelha pequena e assim por diante), ou seja, entre a ombrancelha e a ponta do nariz.

DESENHANDO ESTILO CARTOON (Nivel Basico)

Tutorial- Desenhando estilo Cartoon

As referências… veja, meus tutoriais são pra iniciantes, então vou te contar um segredo (mas não espalha)… você não vai precisar usar referencias o resto da sua vida de desenhista… quando você desenha o ser humano, por exemplo, a referência serve pra você não errar na proporção pois isso é algo crucial e deve ser treinado com afinco! Chega um momento que você saberá como desenhar o corpo humano sem errar nas proporções… e ainda assim tem um detalhe: o cartoon até deixa você ser um pouco livre, como você pode notar abaixo:

 

No estilo do cartoon, você pode ser livre pra desenhar uma pessoa mais ‘espichada’, mais baixinha, cabeçuda, olhuda, nariguda, orelhuda, com corpo de palito, com corpo de bola,… entendeu? E daí não há erro por isso, justamente pelo estilo do desenho em si (como as caricaturas).

——————–1º Passo: O quê?

Isso mesmo. O quê? O que você quer desenhar? Um mascote? Um animal, se sim, qual? Uma pessoa, se sim, então uma criança, um adulto, homem, mulher,… ?
Então vamos escolher nosso primeiro personagem e vou começar pelo o que a maioria (que “maioria” tá louco?) escolheu: crianças. Com certeza vocês já viram Cartoon de criança né, afinal quem nunca assistiu (ou já viu em algum lugar) Padrinhos Mágicos? As Meninas Super-poderosas? Betty Atômica? Tá…

——————–2º Passo: Como?

Como? Ou seja, a parte prática. Materiais: lápis, borracha e papel, simples assim. Essa é a parte principal do Tutorial, que é o rascunho. O rascunho te dará a visão geral do seu desenho. Nele você terá de descrever todo seu personagem de maneira simples, tais como expressão facial, tamanho, movimento… logo, essa é a parte mais difícil também. Bom, desenharemos uma criança. Quais os traços característicos de uma criança em estilo Cartoon?
Isso não é uma regra! Mas em geral vemos algumas características, tais como:
-Olhos grandes (se não for japonês, claro xD )
-Cabeça grande
-Corpo pequeno…
Exemplos:
tá meio tosco mas só fiz pra ilustrar o que quiz dizer xD
—————————— rascunho 1
Rascunho… então, não tem como eu fazer um tutorial de como fazer um rascunho porque acho que isso vai de pessoa pra pessoa, eu por exemplo, gosto de começar a desenhar pela cabeça do personagem e pelo olho, tem gente que começa pelo pé, pelo corpo, ou pelos braços sei lá e assim vai. Então vou mostrar mais ou menos a minha forma de rascunho, blz? Então primeiro vamos começar desenhando somente a cabeça mesmo.
- etapas:
 i ) Treine muito círculo. Isso mesmo. Quem quer ser desenhista deve ter um bom traço e ser capaz de desenhar círculos, elipses, polígonos, sem dificuldades, nada de curva francesa! pelo menos não enquanto você estiver em fase de treino. Fiz um círculo, mas poderia ter usado um pouco mais oval se quisesse, vai do seu personagem, depois demarquei onde seria o nariz, a boca e fiz um traço o mais central possível, para me certificar de que ele ficasse completamente de frente.
ii ) Aqui eu já encaixei as partes do rosto, tentando seguir os traços que havia demarcado (é, parece que ficou um pouco meio torto uma coisa aqui e ali, mas dá nada xD )
iii ) Comecei a fazer o cabelo e terminei o olho.
iv ) rascunho completo. Daí é só “oficializar” os traços com alguma caneta ou algo assim e apagar os riscos que serviram de base.

Mas tão rápido assim? Pois é, queria eu estar aí, te ensinar a pegar no lápis, acompanhar seu tracejado, apontar seus defeitos, mas não dá. O jeito é você tentar e depois que cansar de tentar, tente de novo.

—————————— rascunho 2

 Mas um pra você treinar =D
Como eu queria um rosto mais oval, eu comecei com uma elipse.
—————————— rascunho 3 (mudando a direção do rosto)
Dessa vez farei um rosto sem estar de frente.
Imagine uma laranja e os riscos que demarcam um rosto; se você virá-la um pouco como a verá? Essa é a ideia ; )
———————Os detalhes
Então é assim: você precisa saber o que quer desenhar, depois você imagina como isto ficará e faz o rascunho… tá, mas como fazer “as partes” que compõem o rosto? Ou seja, nariz, boca, orelha, cabelo… Fácil né gente, tem uma coisa que ajuda muuuito: as referências. Comece vendo como outros artistas desenham e tente copiar, um treino legar é você fazer o rascunho de um rosto e com o mesmo formato ir trocando o cabelo, olho, feição, do seu personagem…
– Exemplos de cabelo:
– Exemplos de olhos:
 – Exemplos de feições:
 Eu não vou ficar enchendo de exemplos aqui senão vocês vão ficar com preguiça de buscar outras referências. Quero que vocês percebam detalhes tais como, quando for representar alguém triste, a sobrancelha fica arqueada, quando bravo também ela tem a sua forma característica. Também perceber que somente um objeto, por exemplo, a boca ou a sobrancelha, por si só não conseguem exprimir a reação do personagem. Por exemplo, no segundo ‘rostinho’, se eu tapar a boca do personagem, a impressão que dá é que ele está triste por causa da sobrancelha, mas isso não é verdade como um todo pois ele está sorrindo.
Depois de ter treinado bastante essa parte anterior no que diz respeito a cabeça dos personagens, chegou a hora de “encaixá-las” em um corpo. Para isso faremos uso de um artifício de rascunho chamado de esqueleto, ou palito. 
——————–rascunho 4
Veja exemplos:
Nota-se que assim como a cabeça, devemos ter um mente de como é o personagem, principalmente no que diz respeito a estatura e ao que ele está fazendo.
 
——————–rascunho 5

Preenchendo o esqueleto. Antes de fazer a vestimenta, recomendo treinar o desenho como se o personagem estivesse despido, ou seja, deixe pra treinar o desenho da roupa depois que você estiver bem nesse primeiro processo. Veja abaixo:

 

 
Essa parte definirá também se seu personagem será feminino ou masculino, daí vem aqueles conceitos que você deve estar familiarizado, como, personagem mais “acinturado” e com seios para mulheres, também personagem com ombro mais largo se for homem. Porém ao desenharmos crianças sabemos que algumas dessas características são bem mais atenuadas, e o que faz diferir mais o sexo em personagem infantil é geralmente a cabeça (cabeça,olhos,…) e o tipo de roupa.
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“Encaixando” a roupa. Essa parte não tem segredo… é só desenhar a roupa por cima, sempre respeitando o corpo do personagem.

Viu só que facinho? Pra treinar basta pegar fotos com pessoas em diversas posições, e tentar passar pra folha de papel da forma que fiz aqui… primeiro o “esqueletinho” pra pegar toda a dinâmica do desenho e suas proporções, depois faça os detalhes do personagem e a roupagem.

Lembra desses? Dê uma olha nos esqueletos:

Como tutorial básico, creio que já está bom parando por aqui. Apresentei algumas idéias e dicas principais pro desenho, e ainda digo que isso é uma fração muuuito pequena do que o Cartoon representa de verdade.

Treine desenhar personagens. Copie. Invente. Se inspire. Treine os “esqueletos”, as roupas, as posições. Tente encontrar seu estilo. Não se prenda também em apenas um ou dois artistas, cada qual tem sua técnica e habilidade, com o tempo você aperfeiçoará a sua.

COMO TRANSFERIR A IMAGEM PARA O PAPEL

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MÉTODO DE AMPLIAÇÃO POR GRADE

Método de Redimensionamento por Grade (*)

Pré-história

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Os artistas têm utilizado auxílio mecânico durante séculos. Nos séculos 15 e 16, por exemplo, um mestre poderia desenhar no papel seu projeto completo para um afresco, depois seus assistentes transfeririam uma parte daquele projeto para o gesso umedecido o suficiente para um dia de trabalho. Eles o fizeram fazendo furos ao longo das linhas do desenho, segurando o papel sobre a superfície de gesso e depois “decalcando” (com batidas) as linhas com sacos de musselina com fuligem ou carvão mineral. O artista poderia posteriormente continuar seu trabalho auxiliado por uma representação de seu desenho na forma de pontos escuros próximos um dos outros.

grad1i Método de Ampliação por Grade

Albrecht Dürer, famoso por seus desenhos magníficos, utilizava várias “engenhocas de desenho” para estudar perspectiva e obter escorços convincentes.

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Técnica de Ampliação Método de Ampliação por Grade
Utilizando esta máquina, observando de um ponto fixo, ele poderia ver através de uma grade de barbante e transferir o que via para a superfície de desenho, que continha uma grade similar.

Substitua um objeto tridimensional por um esboço bidimensional ou por uma fotografia e você verá que Dürer utilizava um precursor do agora comum método da grade de ampliação (ou redução).

Você pode ter ouvido a insinuação de que o uso de quaisquer artifícios como esse de alguma maneira reduz a “arte”. Eu discordo veementemente disso. Dürer se utilizava de uma câmera para converter formas tridimensionais em bidimensionais, mais manipuláveis. Ele o faria.

Walter Sickert (1896-1948), que em seus últimos anos de vida baseou muito do seu trabalho em fotografias, respondeu a seus críticos que a única prova para qualquer artista era o produto acabado, não importando por quais etapas preparatórias ele passou.

Planejamento do projeto – Falhar em se preparar é preparar-se para falhar

Há tantas alterações que você pode fazer no desenho antes de resultados desastrosos que é preferível aprimorar o estudo durante as etapas iniciais. Estou assumindo que você começou (assim como eu) por um pequeno e manipulável desenho linear. É nessa etapa que a maior parte das mudanças e das decisões é feita, que a composição é decidida e que as áreas problemáticas são encontradas e solucionadas. Se você estiver baseando seu desenho em uma fotografia, você pode ser tentado a aumentá-la e transferi-la para a o papel numa única etapa, mas gostaria de não aconselhar esse procedimento – você igualmente transferirá potenciais problemas que ocorrem naturalmente na foto e arruinará ou distorcerá o desenho acabado. A retirada do fundo, por exemplo, pode fazer aparecer linhas confusas (espontâneas) atravessando o desenho que perturbam seu equilíbrio. Utilizar a etapa intermediária acima descrita permitirá a correção de erros ópticos e criará um novo equilíbrio artificial que trará harmonia e agradabilidade.

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grad4n Método de Ampliação por Grade

Então, você está contente com o resultado e agora necessita ampliar seu desenho linear e transferi-lo para a superfície de desenho definitiva – veja como…

Método da grade de redimensionamento

Quando fizer ampliações de um esboço, você pode traçar suavemente uma grade de linhas regulares diretamente no esboço ou (como com fotografias) pode utilizar uma caneta de ponta fina apropriada para desenhar as grades sobre uma folha de acetato. O método com o acetato é preferível já que você terá grades permanentes e sempre a mão para todas as ocasiões. Quanto menores forem as quadrículas, mais precisa sua reprodução ficará. Conclui que uma grade com quadrículas de ½ polegada (aproximadamente 1 cm) foi bastante adequada para uma fotografia de 6” x 4” (aproximadamente 15 cm x 10 cm).

Mas pensei que o Mike desaconselhou utilizar uma única fotografia diretamente como ponto de partida? Verdade – Mas você pode aumenta-la duas vezes! Primeiro transforme a fotografia em um desenho linear maior (mas manipulável) e depois o amplie para o tamanho final desejado. Por quê? O desenho linear proporciona várias vantagens. Ele lhe dá a oportunidade de efetuar alterações. Se, por exemplo, você estiver desenhando um cão, este é o momento ideal para incorporar alterações de expressão, para abrir ou fechar a boca ou para deslocar aquela língua desajeitada. Isso também permite remover todo o sombreamento tridimensional, o que torna muito mais fácil aplicar a iluminação como você desejar. E, acima de tudo, aumenta consideravelmente sua compreensão por deixá-lo em contato com a figura propriamente dita e não apenas com sua representação fotográfica. Ok, o sermão acabou! Vamos para a aula…

1.Coloque a folha de acetato (com a grade para baixo) sobre o desenho ou fotografia e conte o número de todas as quadrículas que cobrem toda a área do desenho ou fotografia.

2.Pegue a folha de papel, meça a parte de cima e a divida em tantas divisões quanto o número de quadrículas que você obteve. Proceda da mesma maneira para a altura. Agora ligue as marcações para fazer a grade de quadrículas, que automaticamente ampliará o desenho ou fotografia para as dimensões corretas.

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Coloque o acetato sobre o esboço

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grad6 Método de Ampliação por Grade

Desenhe suavemente uma grade similar no papel e depois copie uma quadrícula por vez.

Método da Grade Avançado

Etapa 1

Esta é uma variação avançada do método mostrado anteriormente e possui algumas principais vantagens – nenhuma grade é desenhada no papel, as linhas-guias são fáceis de apagar e a transferência imediata e precisa para as linhas-guias é possível mesmo após elas terem sido apagadas.

1.Meça o papel como foi feito acima e calcule o tamanho das quadrículas necessárias, mas não desenhe a grade. Em vez disso, pegue uma folha de cartão branco do mesmo tamanho do desenho e trace sobre ele as grades com tinta preta.

2.Por cima desse cartão, fixe uma folha de papel vegetal (aquele usado por arquitetos, ou use qualquer papel resistente e semitransparente) cobrindo as grades.

3.Coloque sua grade traçada no acetato sobre o esboço ou a foto e faça a cópia, quadrícula por quadrícula, sobre o papel vegetal. Certifique-se de manter a sua mão fora da superfície – repousando-a sobre um canto do papel – já que a umidade da sua mão rapidamente fará que o papel vegetal se curve e enrugue. Você precisa garantir que ele permaneça plano.

Etapa 2

1.Fixe o papel de desenho na mesa ou prancheta da maneira habitual e em seguida coloque o papel vegetal contendo seu esboço ampliado por cima, posicionando-o cuidadosamente até ficar na posição correta.

2.Prenda o papel vegetal com fita em todo o lado superior – de preferência ao papel de desenho, pois assim nenhum dos dois poderá se mover de maneira independente.

3.Pegue uma segunda folha de papel vegetal (aproximadamente de 11” x 8” (28 cm x 20 cm) é adequado para mim) e cubra completamente seu lado áspero com grafite 6B. Não seja mão-de-vaca – você está fazendo um “papel- carbono” de grafite.

Mantenha seu “papel-carbono” em uma pasta de arquivo e o terá pronto para uso sempre que necessário – apenas renove o 6B de tempos em tempos.

Etapa 3

Usando “papel-carbono” de grafite

Para finalizar o método avançado, coloque o papel-carbono por baixo do papel vegetal e (com a mão repousada sobre um pedaço de cartão), redesenhe cada linha. Eu utilizei uma agulha de costura dentro de uma lapiseira para essa finalidade, mas um lápis de grafite duro executará a tarefa. Você pode remover com segurança o papel-carbono a qualquer momento e conferir o andamento, pois a folha com o desenho linear que está em cima (se seguramente você o deixou fixado com fita no lugar) sempre retornará com precisão à mesma posição. Na verdade, neste método de trabalho há muito a se elogiar…

• As linhas-guias não adentram nas depressões do papel e podem ser removidas completamente com Blu-Tack/Massa adesiva ou com borracha maleável. Você pode cobrir uma área de tom uniforme por cima de qualquer área apagada com a certeza de saber que nenhuma linha indesejada aparecerá para assombrá-lo.

• Como o papel vegetal é articulável na parte superior do desenho, ele pode ser basculado em qualquer etapa do desenho para conferir sua precisão (especialmente útil caso a correção de um erro apagou as linhas-guias originais!). Quando você perder o seu caminho, este é o “mapa” que o fará voltar ao curso.

Ao trabalhar com este método, o meu hábito era apagar as linhas-guias na área em que eu estava prestes a trabalhar, até que ficou faltando apenas uma mera sombra (rolando massa adesiva sobre ela) – se você precisar das linhas-guias depois, abaixe o desenho linear já refeito.

E, por fim não seja escravo das linhas-guias… na melhor das hipóteses elas proporcionam um posicionamento preciso, na pior das hipóteses elas estão simplesmente erradas – você desenha o que parece correto, não o que as fotos sugerem que se pareça.

(*) Tradução do tutorial realizado por Mike Sibley.

Para visualizar esse artigo diretamente no site de Mike Sibley, Clique aqui: http://www.sibleyfineart.com/tutorial–gridding-art.htm

TUTORIAL DESENHO DE CABELOS

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TUTORIAL DESENHO DE CABELOS POR MIKE SIBLEY

Desenho de Cabelo – uma introdução

Porque eu desenho cães, recebo inúmeras solicitações sobre como desenhar cabelo. Esse exercício aparentemente simples é na verdade uma tarefa quase impossível. Não só artistas tem estilos muito diferentes, mas até para fazer seus objetivos. No entanto, posso pelo menos apresentá-lo com a minha maneira de desenhar cabelo; as técnicas que atendam o meu estilo e ambições … e, mesmo assim, acredito ter deixado muito por dizer ……..

É ver para crer … mas não acredite em tudo que você vê …

Que é uma forma abreviada de dizer que você pode desenhar o cabelo que é facilmente crível, mas a técnica pode sugerir mais detalhes do que está realmente presente. Há uma série de “níveis” em que você pode resolver o seu desenho – Você pode, por exemplo ….

Escolher concentrar-se na forma subjacente tridimensional.
Parcialmente sobrepor o sombreamento de forma sólida, com uma semelhança de cabelo e textura.
Desenhar o próprio cabelo com a sua iluminação para definir a forma subjacente.
Qualquer nível é tão válida como qualquer outra, mas a minha preferência pessoal é para o último destes, uma vez que mais se assemelha a realidade.
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Um desenho encantador de um cão por Karen Gillies. Moldar tonal é utilizada para definir a forma do corpo, que concentra a atenção do espectador para os olhos. O artista concedeu pouca importância ao detalhe do cabelo.

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Este desenho Basset mostra o uso do cabelo como o único meio de expressar a forma tridimensional do corpo. Aqui, o branco do olho foi cuidadosamente preservado para atrair a atenção nesse sentido.
A ilustração (acima) mostra o uso global de sombreamento – tratando o assunto como um único objeto tridimensional sem textura da superfície e aplicação de um regime geral de valores tonais. Ao dar prioridade visual da forma subjacente, a presença de pelos é deixada quase inteiramente para a imaginação de telespectadores. Na elaboração do Basset (acima) eu usei local de sombreamento – cálculo da reflexão da luz de cada cabelo, ou mecha de cabelos, como ele é desenhado e aplicando os tons necessários. Nenhuma sombreamento global existe, mas todas as sombreamento local é ajustado com referência à sua posição dentro de todo o objecto. Neste caso, foi dada prioridade à aparência exterior – forma tridimensional é descrita apenas pelos cabelos, sua textura e destacar da superfície.

Nem tudo é preto e branco …

Se todo “preto” fosse realmente preto e todo “branco” fosse puro branco veríamos nada além de formas planas, traços característicos, com contornos nítidos. Mas nada na vida é tão simples – as reflexões da realidade e de absorção da luz desempenham um papel integral no que vemos. São as luzes e sombras de revestimento brilhante de um Labrador preto que nos dizem qual é a forma o cão – a estrutura subjacente nunca é vista abertamente. O cabelo, apenas o cabelo, define a sua forma tridimensional. O mesmo é verdadeiro com um Poodle branco, exceto que a ênfase é invertida – as sombras jogam uma parte maior do que os destaques. Mas há também um outro aspecto que é tão verdadeiro para cada um no processo de desenho ……

Um risco de lápis não é um cabelo
Eu não posso forçar este muito ou muitas vezes – Lápis que não desenham os pelos. Lápis apenas definem a posição e forma dos cabelos. Bem, isso pode ser um pouco simplista demais -, haverá ocasiões em que um fio de cabelo escuro se sobrepõe um pedaço de cabelo branco e exigir um risco de lápis. E lápis certamente adicionam os valores tonais necessários para os cabelos. Mas, em geral, o uso de uma linha de lápis não representa um cabelo – que forma o limite entre os cabelos.

Negativa e positiva …
Desenho de cabelo é sobre desenho positivo e negativo (ver introdução ao desenho negativo ) e cada um tem que ser entendido em seu corretamente antes que você possa facilmente combinar os dois e reproduzir o cabelo com um senso de realidade. Como afirmei acima, vemos os cabelos pretos por causa de seus destaques, cabelos brancos são descritos por suas sombras. Em ambos os casos, os cabelos são visíveis devido às suas propriedades de “negativos”. Na prática, você não cria o cabelo, mas a sombra ou realce. Para cabelos pretos o destaque vai variar de brilhante, branco através de uma série de escurecimento cinzas, mas não é assim, porém, para o preto – os tons mais escuros disponíveis devem ser reservados para as sombras positivas que definem as bordas de cabelos pretos não para os próprios cabelos. Esta é a chave para o desenho negativo, a técnica que você deve aprender – quando você trabalha, concentre-se toda a sua atenção não nas linhas reais que você está desenhando, mas nos espaços entre elas. Em comum com a pintura em aquarela, o único branco disponível para o artista de grafite é o branco do papel. Para produzir uma linha branca, você deve definir essa linha, descrevendo-a em um tom mais escuro. A linha que está desenhando não tem importância em si mesma. Trata-se do espaço entre as linhas , que é primordial.

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São estas as linhas pretas no branco ou branco no preto?
Se estas são linhas pretas desenhadas em papel branco, em seguida,
as linhas desenhadas são positivos marcas.

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As linhas brancas no preto? Eles parecem ser assim porque
o preto define seus limites. O preto é desenhado exclusivamente para criar o branco. Isto é negativo de desenho.

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A folha é um exemplo de desenho positivo. As linhas de lápis fornecer as marcas dominantes.

Um exemplo de desenho negativo. As linhas de lápis servem apenas para definir os cabelos brancos dominantes.

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Uma combinação – A sombra positiva traçada é estendida para cima e para baixo nas áreas adjacentes negativo desenhadas.

Como isso é feito?

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Eu trabalho do escuro para a luz. De um ponto de vista puramente prático, é muito mais fácil de enxertar posteriormente um desenho em uma área escura de tom. Isso me permite usá-lo como uma ruptura – para atrair em uma direção para depois retornar e continuar na direção oposta. O ouvido mostrado acima à direita (e aquele que eu estou a ponto de demonstrar) é o ouvido do lado esquerdo desta bela border collie.
Gostaria de trabalhar nesta área em quatro fases distintas ….
Fase 1:

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Tendo encontrado a minha área de sombra negra a partir da qual trabalharei, a sombra é mais ou menos estabelecida e a borda superior cuidadosamente elaborada para a área acima para definir os cabelos mais leves. Lembre-se, eu estou desenhando as sombras entre os cabelos aqui. Os “cabelos” brancos são deixados em branco até a próxima fase.
Fase 2:

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Tutorial Desenho de Cabelos por Mike Sibley

Trabalho a partir de escuro para a luz, a aba da orelha é atraída de volta para dentro da sombra. Este é o desenho negativo como em todos os casos eu desenhei as sombras entre os cabelos e não os próprios cabelos. Uma vez que estes pelos são definidos, o tom é aplicado para dar-lhes a sua correta modelagem tridimensional. A iluminação é continuamente ajustada para se obter a forma tridimensional desejada.
Fase 3:

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Novo desenho é enxertado na sombra escura, uma vez que se estende para baixo na área abaixo. Se alguns dos fios de luz precisar voltar-se para a sombra, isto pode ser conseguido com uma borracha limpa-tipos (ou borracha moldável) – uma linha de grafite retirada da sombra é redefinida e misturada na linha de luz abaixo.
Fase 4:

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Os destaques negativos desenhados estão fechados, trazendo as duas linhas de limite exterior juntos em uma só. Estes formam agora uma linha positiva que é atraída para um ponto para completar o fim de cada cabelo.

Conclusão …
Trabalhar uma pequena área de cada vez fará o seu projeto global muito mais fácil de lidar mentalmente e fisicamente, e irá mantê-lo firmemente no controle. Não fique tentado a trabalhar em todo o desenho de uma só vez e nem tente preencher as áreas inteiras com um tom. Bem, sim – eu sei que o desenho ficará mais completo muito mais rápido … e você pode sentir que ele está ajudando a estabelecer forma, mas cuidado -. os destaques brilhantes que você pode mais tarde deseja criar não será mais possível, resultando em uma perda distinta da vida e da profundidade tonal. Decida sobre a direção da luz, considere a posição de cada cabelo que você definirá e aplique a iluminação em conformidade. Definindo seus cabelos e depois calculando e adicionando tom local específico, irá dar-lhes uma realidade maior – não use tonificação global e espero que ele vá trabalhar localmente.

Tradução do tutorial de Mike Sibley

CONHEÇA MAIS SOBRE OS MATERIAIS

Lapis e Materiais

Lapis e Materiais

Lápis

Os lápis são fundamentais. Dependendo da técnica utilizada, eles farão muita diferença no resultado final, principalmente para quem não gosta de trabalhar com esfuminho (citado logo abaixo).

Quando comecei a desenhar, só trabalhava com os lápis Faber Castell,  que para mim eram os melhores (pelo menos era o melhor dos que eu conhecia). Sei que o Faber Castell é o xodó de muitos desenhistas, pois a maioria de nós aprendeu “empunhando” um destes. Mas, fiquem tranqüilos e não se aborreçam, concordo que este material é bom, mas vou dar ênfase em outros que considero superiores.

As marcas que mais se destacam são a Koh-i-Noor e Staedtler. As duas são muito boas, mas gosto mais da primeira. A grande diferença de um bom lápis para um comum está na sua consistência. Geralmente lápis comum, tem uma ponta mais rija, tornando mais difícil o sombreado.Estojo da Koh-i-Noor

Os lápis são divididos em graduações:

dura                                              média                                                  macia
8H, 7H, 6H, 5H, 4H, 3H, 2H, H, HB, F, B, 2B, 3B, 4B, 5B, 6B, 7B, 8B, 9B

Por “H” entende-se “Hard” – uma mina dura.
Por “B” entende-se “Brand” ou “Black” – uma mina macia ou preta.
Por “HB” entende-se “Hard/Brand”- uma mina de dureza média

A diferença entre eles está na graduação e rigidez. Analisando os tipos citados, são mais macios e tem uma graduação mais forte (mais escuro o risco) da esquerda para direita. Então, para cada sombra, existe um lápis proporcional à sua intensidade. É claro que você não precisa ter todos, mas uns 4 ou 5 tons seriam essenciais.

Escala de graduação dos lápis Staedtler

Escala de graduação dos lápis Staedtler

A grafite do lápis é composta por uma mistura de carvão e argila. O que determina a sua graduação e maciez é a proporção dessa mistura. Quanto mais carvão e menos argila, mais macio e negro fica a grafite, e quanto menos grafite e mais carvão, ela fica mais rija e clara.

Borracha

No desenho artístico, temos uma gama de borrachas bastante variada para diversos tipos de uso. A mais utilizada é a famosa “limpa-tipos”, borracha que foi criada para limpar erros de datilografia (em máquina de escrever).

Tipos de borracha para desenho

Tipos de borracha para desenho

O nome limpa-tipos vem do termo tipos, que é o nome dado a letra da máquina de escrever. Está borracha é totalmente maleável, semelhante a uma massa de modelar. A sua textura extra suave permite absorver as partículas mais pequenas sem danificar o papel. Com isso, pode-se moldar a borracha na forma desejada, ajustando a necessidade do momento. A sua outra vantagem, é que ela é uma borracha que não borra, e sua finalidade básica é de retirar o excesso de grafite do desenho. Considero-a indispensável.

A borracha plástica também é muito importante, pois permite apagar traços mais fortes e principalmente na hora de dar forma ao cabelo (ela é a grande responsável pelos efeitos de brilho e “ondulação”). Por ser uma borracha dura, que permite um acabamento muito bom, nos cabelos como em várias outras partes que se necessite.

A caneta borracha é útil para apagar lugares com muitos detalhes, como os olhos, a boca, enfim, lugares que necessite de mais precisão. Mas, tenho usado a limpa-tipos e ela me tem sido de grande valia até o momento.

Existem outros tipos de borracha, mas as principais são estas. Acredito que seja o suficiente para se trabalhar. É claro que isso vai depender da característica de cada artista.

Papel

O papel mais utilizado pelos desenhistas é Papel Dessin – O tradicional “Papel Canson (papel com uma gramatura maior). Canson, na verdade, é a marca que produz o papel, mas pelo seu “monopólio”, o papel passou a ser conhecido por esse nome. Mas existem outros como: vegetal, sulfite, jornal, manteiga e isométrico. Vale a pena fazer testes para, assim, descobrir qual papel é mais apropriado ao seu estilo.

Esfuminho

Técnica de esfuminho

Técnica de esfuminho

Como mostra a imagem, o esfuminho serve para espalhar uniformemente a grafite, dando um aspecto real ao desenho. Ele é feito de papel jornal compacto enrolado.

Para o esfuminho não existe marca melhor que a outra, pelo menos nunca vi diferença nos que já usei. Mas, anote aí. Para você que quer melhorar seus desenhos e ainda não usa essa ferramenta, vale a pena conferir.

Há pessoas que preferem fazer esse trabalho com o dedo. Com o dedo também dá para fazer, mas o problema é que com o dedo é mais fácil de borrar, principalmente se a pessoa transpira pelos dedos. A grafite se junta com o suor fazendo uma “tinta” que borrará seu desenho que dificilmente se conseguirá corrigir.O efeito do esfuminho no desenho

Técnica de esfuminho com o dedo

Iluminação

Não poderia deixar de falar da importância da iluminação do ambiente. Deve-se escolher um local bem iluminado ou, ainda, com uma luminária. Existem vários detalhes na imagem que só podem ser vistos com uma boa iluminação. E, além do mais, ela preserva sua saúde, pois o ambiente pouco iluminado fará com que force mais os olhos, o que pode lhe trazer problemas oftalmológicos pelo fato de se passar muitas horas no exercício do desenho.
Por último, deve-se ter muita paciência. Às vezes, queremos terminar um desenho logo e acabamos pecando no acabamento. O meu conselho é: está cansado, de saco cheio? Então, pare e relaxe um pouco. Tenho certeza que isso contribuirá para uma maior valorização da sua obra.

COMO CRIAR UM DESENHO REALISTA

COMO CRIAR UM DESENHO REALISTA

 
 
 
                                                                                                                             cropped-union_with_water_by_sheeroo3.jpg
 
 
Dicas para iniciantes:
 
Recebo muitas perguntas sobre como sombrear, por onde iniciar,como fazer e muitas outras a respeito do desenho realista e hoje vou passar aqui algumas dicas importantes.

                                                                                                                                  .cropped-dsc04587.jpg

1°- MATERIAIS
 
Quem esta iniciando é normal não ter muitos materiais, mas alguns são indispensáveis como o lápis 6B, com certeza ele vai dar um resultado mai satisfatório ao trabalho, também tem o lápis 3B que não chega a ser uma prioridade mas ajuda bastante na hora de fazer tons mais claros e suaves, o esfuminho também é um material muito interessante , ele ajuda a dar efeitos importantes ao trabalho facilitando o sombreamento em algumas partes, e uma borracha de preferência macia, apenas com esses três materiais já é possível fazer um bom trabalho.
2°- UMA BOA IMAGEM
Para um bom resultado no desenho de observação depende também da escolha de uma boa imagem. Uma imagem pequena ou com baixa resolução esconde detalhes importantes que podem fazer muita diferença no resultado final do seu trabalho. Então procure trabalhar com imagens nítidas, com boa resolução e tamanho adequado para que pequenos detalhes não passem despercebidos.
3°- O ESBOÇO
Uma das partes mais importantes para um bom resultado é o esboço, ele serve para alinhar e distribuir o desenho no espaço a ser trabalhado e dar proporções ao trabalho, tome muito cuidado pois um desenho com proporções não exatas e detalhes tortos irá prejudicar muito a fisionomia da quilo que você resolveu desenhar. Então procure traçar o desenho sem forçar o lápis, o traço forte poderá atrapalhar o sombreamento, e deixar marcas caso você tenha que apagar.
4° HORA DE SOMBREAR:
Depois de ter feito um esboço bem caprichado e com proporções fieis ao original é hora de sombrear e dar mais vida ao trabalho.Observe no desenho ao lado a passagem do esboço para o começo do sombreamento.
Fique sempre atento as tonalidades das manchas, procure manter o equilíbrio dos tons e lembre-se no desenho realista não existem traços apenas tons e sombras.Afastar-se do desenho pode facilitar na visualização de alguns erros e discordâncias de tons.
Cada desenhista se adapta e desenvolve melhor uma técnica de sombreamento, você precisa praticar algumas delas e ver a qual se adapta melhor,uma das técnicas que eu particularmente gosto bastante é de sombrear com pincel, trás mais suavidade aos tons, também pode ser utilizado um papel toalha macio, outros preferem sombrear com os dedos, essa são apenas algumas técnicas entre tantas outras.Caso venha a usar alguma dessas citadas procure sombrear com movimento suaves e circulares.

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OS DETALHES FAZEM A DIFERENÇA

 
De valor aos detalhes, eles dão toda a diferença ao seu trabalho,a limpidez e a clareza entre um detalhe e outro vão favorecer no resultado final.Se você deixar os traços que deveriam ser precisos meio borrados o desenho ficara sem nitidez, para detalhes mais precisos você pode usar um lápis mais duro, como os “H” ou “HB”.
Desenhar cada detalhe, mesmo que seja pequeno vai do nível de paciência de cada um, porque o resultado final encanta quem observa.Um desenho limpo nas áreas brancas sem manchas é fundamental.
O resultado final depende do seu empenho, estamos sempre em constante evolução, cada dia um pouco melhores, então continue praticando e nunca desista.
Boa Sorte !!!
 
 
 
 
 

TÉCNICA DE PINCEL SECO

Técnica muito parecida com a de desenho com grafite, a pintura do pincel seco ou Drybrush, é descrita pelo artista plastico Igor Kazarin, como sendo uma tecnica moderna do seculo XX, e com efeito agradavel da tecnica de percepção do desenho. A sua experiencia são de 20 anos em retratos e tem como média de 4 a 6 horas de tempo de execução de cada trabalho. Para quem deseja começar a se aventurar nesta nova técnica, ele diz que quem já tem habilidade com o grafite terá menos dificuldade em aprender o ‘Pincel Seco’. Dados da tecnica:

  • Nome: Drybrush
  • Origem: Moscou, Russia
  • Data: meados do século 20
  • Tema: Retrato
  • Pré-requisito: noções de desenho de retrato e técnicas secas.

Material para tecnica pincel seco:

  • tinta a óleo cor preta;
  • óleo de maquina de costura (lubrificante interno);
  • pincéis de cerdas sintéticas;
  • tela ou papel Fabriano;
  • lápis HB para esboço;
  • borracha.

Modo de pintar: Realize com lapis HB o esboço do retatro com base de uma foto, depois prepare a sua paleta: “…em uma paleta de qualquer tinta de óleo preta é espremido uma pequena quantidade de tinta, se desejar pode adicionar umas duas ou três gostas de óleo de maquina como solvente. O segredo está em molhar o pincel na tinta o menos possível, e esfrega-lo bastante na paleta antes de ir para o papel, de forma que o pincel esteja bem seco e homogêneo.

 

“DESENHANDO O CORPO HUMANO”

Como desenhar o Corpo Humano:

Se você já tem alguma noção de como desenhar a figura humana, estas dicas vão ajudá-lo a aperfeiçoar o seu desenho. Mesmo aquele que nunca praticou poderá obter bons resultados com as orientações seguintes:

1. Comece pelo esqueleto simplificado
O esqueleto humano é uma ótima base para o desenho da figura. Porém, seu traçado é extremamente complexo, por isso, desenvolvemos um esqueleto bastante simplificado – denominado Axis – que vai servir de base para o desenho do corpo.
Para entender melhor e treinar o Axis, pegue algumas fotos de pessoas, de preferência em movimento e em várias posições e tente desenhar os esqueletos simplificados, como nos exemplos da figura 1. Neste primeiro momento, evite posições complexas.

8kn2v8f28n30n57_defaultDepois de praticar sobre as fotos, ij581612ov280l0_defaulttente desenhar os Axis sozinhos numa folha de papel. Se sentir muita dificuldade para definir as proporções dos Axis, use papel manteiga para copiar os Axis desenhados sobre as fotos (figura 2)

2. Desenhe os Blocos
O passo seguinte é fazer a estrutura do corpo, aplicando um sistema de “Blocos”. Os Blocos são feitos com linhas retas e com círculos nas articulações. Nesta etapa, a figura lembra um “boneco articulado” de madeira. Este sistema é importante, porque ajuda a definir as proporções do corpo de acordo com o Axis. Esses esboços devem ser feitos com linhas suaves e claras (figura 3).

contornos do corpo
Olhando novamente as fotografias dos modelos, desenhe os contornos do corpo, observando as entrâncias e as saliências que se formam conforme o movimento da figura. Desenho Corpo Humano prop01 proporcao_mulherDesenho animado: dica de desenhoDesenhando o corpo   Desenhando o corpo Desenhando o corpo